10 Gryma teman av död i västerländsk konst

Konst är ofta tematisk-artister har utforskat gemensamma idéer i olika medier och från olika perspektiv genom alla åldrar. Under medeltiden, som började runt 1400-talet, tog konst en sväng mot mörkret när pesten som kallades den svarta döden avstod på Europa som apokalypsen själv. Denna period fylldes ofta av förtvivlan och hopplöshet, och för första gången utvecklades eller utforskades flera olika teman som rör sig kring döden.

10Plague Art

Det är omöjligt att underskatta den effekt som den svarta döden hade på det medeltida samhället. Peaking i Europa någonstans mellan 1348 och 1350 med ytterligare utbrott i 1361 och 1430-talet, var pesten en bacillus som kunde kontraheras av en smittad lopp eller råtta eller genom luften, beroende på sorten. Den första vågen av den svarta döden dödade uppskattningsvis 25-50 procent av Europas befolkning.

Pesten gjorde sig känd genom hela medeltida kultur, där människor hittade ett uttag för att uttrycka sin kollektiva förtvivlan och depression. Konstnärer som tidigare hade målade glada scener som skildrar oförskämd hängivenhet eller höga illustrationer av mänsklighetens prestationer, vände sig nu till scener av död och förödelse. Religiösa teman blev också mörk, med inriktning på helvetets plågor och syndens löner, som i allt högre grad vänder ryggen mot himmelens belöningar eller rituals bekvämligheter. Det var i denna makaber miljö att flera teman började dyka upp runt om döden i den tidiga europeiska konsten, inte minst av vilken själva pesten var.

Giovanni Boccaccio använde den svarta döden som bakgrund till sin klassiker Decameron, en berättelse om män och kvinnor som flyger staden till en liten villa för att undkomma pesten. De härliga berättelserna som de berättar under att gömma sig är en skarp motpost mot förödelsen som händer utanför. Begravningsprocess scener-redan ett vanligt tema i konst-målade visade inte kända kungar eller helgon som tidigare men anonyma pestoffer som de ledde till graven. När allt fler började se pesten som en slags gudomlig fördömelse, betonade kyrkan betydelsen av frälsning genom religiös ritual och omvändelse som det rätta sättet att bekämpa epidemin, en inställning som återspeglas i verk som bröderna i Limbourg Processionen av Saint Gregory (1300) och James le Palmers belysning för 1400-talet för Omne Bonum, som visar pestoffer som mottar en prästs välsignelser.

Realistiskt målade scener av patienter som behandlas på sjukhus och hemma var utbrett, särskilt under renässansen. Dessa åtföljdes ofta av noggranna skildringar av de döendes sår och svullna pustler, som i Jacopo Robusti s St. Roch i sjukhuset. ("Plague Saints" var en genre i sig.) "Dödsbäddsplatsen", där en döende person är ceremoniellt omgiven av kära, kommer från den svarta dödsperioden på 1400-talet. Det fanns också en trend mot att skildra skulpturala figurer på gravar som egentliga lik, ofta med tecken på pesten eller till och med helt skelett, istället för idealiserade porträtt av den avlidne. När döden blev en grym verklighet och himlen en avlägsen abstraktion, gjorde realismen en stor återkommande inom europeisk konst.

Det här är bara några exempel på hur den svarta döden hade ett direkt inflytande på medeltiden genom Upplysningen, vilket inspirerar oss till denna dag. 1988 släppte avantgarde diva Diamanda Galas den första skivan i henne Plague Mass trilogi, Masque of the Red Death, ett svart dödinspirerat blick på AIDS-epidemin som säkert spelades in i helvetet.

Köp det här fantastiska trycket av St. Gregorys Död på Amazon.com!

9Death som en reaper av själar

Alla kulturer i alla tider och platser har personifierat döden i en eller annan form. För oss moderna människor är en av de mest genkänliga personifieringarna den Grim Reaper. Numera är han mestadels på tungmetallplattlock eller goth smycken, men till den medeltida världen var han en autentisk terrorist.

Tanken om döden som en skytt som håller en skytt som han använder för att skörda själar är en uppfinning från 1500-talet som drog på många tidigare källor. Inspirationer från den grekiska mytologin omfattade Titan som heter Kronos (som romarna kan ha förvirrat med Chronos, tidens gud) och båtman av floden Styx i underjorden heter Charon. Innan dess moderna form var fullt utvecklad i Europa, döden vanligtvis avbildades som ett lik som innehöll en krökbult, pärla, båge eller något annat vapen. Det var under pesten att Europa började skildra döden som ett skelett som bär en skytt och bär en svart (eller ibland vit) kappa. Han var vanligtvis avbildad som en guide som skulle se ut på ämnets utsedda timme för att leda bort dem, men i senare berättelser tog han faktiskt livet själv, och offren kunde fuska eller fynda med honom.

Döden som skördare finns i alla former av konst över hela Europa. Han har dykt upp i lekar, sånger, poesi, romantisk litteratur och bawds. Han cavorts genom de mörkare målningarna av Breugel och är ofta figuren av "danse macabre" konst. I skulpturen tjänar en 1700-tals staty av en biskop i Tysklands katedral i Trier tillsammans med Grim Reaper som ett utmärkt exempel. Medan Bibeln aldrig porträtterade döden som en reaper, använde många artister från det 15: e århundradet motivet i bibelsk konst. Gustave Dores gravyr av Död på en blek häst (1865) är ett särskilt dramatiskt exempel.

8Dans dödsdöd

En tro utvecklades under peståren att de döda kunde stiga upp från sina kyrkogårdar och dra några olyckliga förbipasserande till en ghoulish dansedans.Dessa folkloriska övertygelser, som drevs av poesi om oundvikligheten av döden och ett traditionellt dramatiskt lek som antogs i Tyskland, hittade snabbt in i europeisk konst som en samhällelig allegori om dödligheten, vilket blev en utbredd popularitet. Meddelandet är klart i danse macabreingen flyr från döden, så det är klokast att förbereda din själ för sin tid för räkning.

De danse macabre skildrade klassernas hierarki, från påven till det vanligare barnet, engagerade sig i den dagliga rutinen när de tvingades in i döds väntan. Ett av våra tidigaste bilder är från en serie målningar skapade 1424-1425 och tidigare visade sig i Cimetiere des Innocents i Paris. Originalen förstördes 1669, men Paris-skrivaren Guy Marchant bevarade sin väsen i en serie av träsnitt tillsammans med verserna som följde dem.

Motivet nådde sitt ultimata uttryck i Hans Holbein de yngre träsnitten och verserna Dödsdansen. Det publicerades första gången år 1538 som en bok med 41 träsnitt, medan senare tillägg 1545 och 1562 tog upp det här numret till 51. Hela texten, liksom alla träsnitt, finns här online. Ett annat fantastiskt exempel, den här i målningen, är Bernt Notkes Danse Macabre. Det förstördes under bombningen under andra världskriget, en händelse som ansågs vara en stor förlust för konst.

7Dance av skelett

Ett annat tema relaterat till dödsdansen är skelettdansen, som vi först och främst vet genom en träsnitt av den tyska humanisten och den tidiga kartografen Michael Wolgemut som uppträdde i Liber Chronicum ("världens kroniska"), en bok skriven av Hartmann Schedel och publicerad år 1493. Skelettdansen skiljer sig från dödsdansen genom att den är strängt baserad på folklore, utan socialt eller moraliskt budskap. Skelett brukar avbildas som kommer fram från öppna gravar, cavorting omkring, och spelar ofta musik och dans. Wolgemuts träsnitt är ett vackert exempel på genren, som användes för att illustrera och spänna i stället för att utbilda eller predika för betraktaren.

Skelettdansen var ett kortlivat tema i tidig konst, med få överlevande exempel. I senare tid skörde den upp i musik när Camille Saint-Saens grundade sin 1874 Danse Macabre på dansdansen och skelettdanserna. I film återupplivade Walt Disney och dumma symfonier temat 1929 i den odödliga och ofta imiterade kortteckningen "The Skeleton Dance", där fyra skelett dansar runt en kyrkogård och terroriserar de levande invånarna.

6Anamorfos och dolda symboler för döden

Anamorfos, som betyder "bilden i bilden", är en teknik som ibland används i konst för att skapa dolda bilder som bara kan ses korrekt från vissa vinklar eller under de rätta förhållandena. Den sågs först i Europa 1485, när Leonardo da Vinci använde den för att visa ett mänskligt öga. Flera artister har införlivat anamorfos i dödsämnen, det mest kända exemplet är Hans Holbein den yngre s Ambassadörerna (1533).

Målningen är ett dubbelt porträtt av Jean de Dinteville, fransk ambassadör till domstolen i Henry VIII och hans barndomsvän Georges de Selve, biskopen av Lavaur, som också agerade som ambassadör vid flera tillfällen. Det målades i reformationens tidiga år och har en politisk och teologisk symbolism på dessa teman, men det mest krossande elementet är en konstig, långsträckt oval form längst ner på målningen, som löser sig i en skalle när den ses med ögat i en position nära biskopens hand. Ett av syftena med denna dolda skalle var att påminna de kraftfulla aktörerna som är involverade i denna tidens problem för att vara ödmjuka och uppmärksamma på deras dödlighet.

Anamorfos och andra former av dolda bilder har använts i hela konsthistoria sedan Da Vincis dag. Ett senare exempel är Charles Allan Gilbert's Allt är fåfänga (1892), där en viktoriansk era beundrar sig i en spegel som med en förskjutning i vision blir en skalle. Du kan hitta ett samtida exempel på död-teman anamorfos i den ungerska konstnären Istvan Orosz, som skapar illustrationer med en medeltida träsnittskänsla som alltid gömmer en skalle.

5Death och the Maiden

Temat för död och jungfru kan spåras hela vägen till antika Grekland och historien om Persephone, som kidnappades av Hades och förde till underjorden efter att ha plockat narcissusblomman. En av dess teman är bekant - att döden övervinner allt, även kvinnornas stolta skönhet - men på 15-talet började temat att få unika egenskaper och blev öppet sexuellt. De kvinnor som omfamnade i kroppens eller skelarnas armar var nu engagerade i ett intimt samlag med döden.

Mellan Niklaus Manuel Deutschs Dödsdanser och Död och jungfru (1517) kan vi faktiskt se övergången. I det förra dansar döden med en elegant dam och placerar båda beniga händerna fast på hennes bröst. I det senare fallet döden inte längre dansar - han omfamnar henne fullt och kysser henne kraftigt när hans händer går till hennes könsorgan. Jungfruen försöker motstå men hjälplös att göra det.

Denna starkt erotiska bildspråk, som ibland användes av konstnärer för att rättfärdiga målningar av nudes till kyrkan, användes gång på gång under hela 15-talet och därefter. En målning i en serie målade mellan 1518 och 1520 av Hans Baldburg Grien visar en Madonna-liknande nakenfigur som greps av ett uttorkat lik medan spermier och foster, som var symboler för förnyelsen av livet, kretsar kring dem. Denna symbolik skulle användas igen av Edvard Munch i hans Död och liv (1894).

Ett av de mest kraftfulla moderna exemplen är en ritning av den tyska avantgardekonstnären Joseph Beuys.Skapat 1959, avbildar den döden och jungfruen på ett kuvert som bär stämpeln av en organisation av överlevare från förintelsen. I denna ritning är både död och jungfru obetydlig och uttorkad, ett testament till livets flyktiga natur och dödens billighet i den katastrofen.

Ett liknande dödsrelaterat tema som uppstod i tidens konst kallas "människans tre åldrar", även om det vanligtvis avbildade kvinnor. En figur visas i följd som ett barn eller nyfödd, en ung vuxen, och äntligen en medelålders kvinna, där döden står för att leda ämnet offstage till underjorden. Ett bra exempel är Grein's Man och dödens tre åldrar (1510).

4Triumph De La Mort (Dödens triumf)

Många mer störande än dödsdansen var motivets "triumf av döden" ett annat tema som var vanligt bland medeltida konstnärer. Liksom dansen var det underliggande budskapet att dödligheten är oundviklig, men i motsats till "dansen" avbildar "triumf" temat döden som ett instrument för kaos och förstörelse, en brutal diktator vars minioner sopa över allt och förstör allt i sin väg. Det var särskilt associerat med krigstid och pest. Detta tema går tillbaka till åtminstone 1400-talet, eftersom det redan var en utbredd idé när en okänd konstnär målade en fresco i domstolen i Palazzo Sclafaniin, Palermo i södra Italien. Dödens triumf (1445) har ett bågskärande skelett som rider en skeletthäst och skjuter pilar vid sina mål, medeltida bybor i alla samhällsskikt som går igenom sina dagliga rutiner.

Det obestridda mästerverket av detta tema är Dödens triumf (1562) av Pieter Bruegel den äldre. I målningen reduceras en enstaka fredlig medeltida by till en apokalyptisk ödemark av en armé av skördare och lik. Det är som Bruegel utplånade alla sina medeltida scenmålningar i en duk. Literally hundratals bilder och symboler i vardagen löper genom målningen, var och en en liten moralspel vars avhandling är döden. Även en kung får ingen utryck. Ett lik visar sin timglas, springer ur tiden, och kungen succumbs som en annan panserad lik hjälper honom till sin samlade rikedom. Allt är förlorat. Allt är meningslöst. Döden triumferar alltid i slutet.

Dödens triumf anses allmänt vara en av de viktigaste målningarna i sin tid. en Wall Street Journal artikel noterade att "brutaliteten av dessa bilder har gett Bruegels bild en otålig och kontinuerlig relevans. Det verkar förutse beskrivningar av trettioårskriget på 1700-talet. Mest störande från ett 21-talets perspektiv är det som till höger om bilden är rektangulära behållare där människor tvingas inuti och skickas till deras dödsfall. Apparatens likhet med den nazistiska tekniken för massförstörelse har slog många tittare. "Så länge det finns krig, hungersnöd, pest och själva döden, kommer Bruegels mästerverk att fortsätta att vara en målning som stör oss, även om den resonerar.

3The Grateful Dead

Motivet för "tacksamma döda" är sällsynt i bildkonst, vanligare i samband med folklore och litteratur. Legenden om den tacksamma döden rör sig kring två grundläggande teman. I det första utför någon någon tjänst eller tjänst till någon som är död, till exempel att ta hand om obetalda skulder eller betala för begravningstjänst och belönas på något sätt av sin ande. I andra hand går någon i djupt behov av hjälp in på en kyrkogård och ber om hjälp. De döda stiger upp från sina gravar för att hjälpa de levande.

Den förra daterar sig tillbaka till Gamla testamentets tider med Tobias apokriska bok. Det hämtades senare i litteraturen, framförallt i medeltida romanser. Den senare kan ses i en fresco kallad Legenden om de tacksamma döda, målad i Schweiz av en okänd konstnär i början av 1600-talet och återställd 1740. Det visar en man som jagas av ett band av tjuvar i ett okonsekvent kyrkogård, där han knäböjer för att be. Innan de mördande tjuvarna når honom, exploderar gravarna kring honom med de dödas kropp som rusar för att försvara mannen med pinnar och skaror, tacksam för bönerna som tillåter dem att vila i fred.

Budskapet om de tacksamma döda berättelserna skiljer sig mycket från de flesta dödsrelaterade teman för europeisk konst, kanske för att minnena av pesten minskade och fler människor lät sig vara positiva om framtiden. De påminde de levande att tänka på sina kära och behålla dem i sina böner och att komma ihåg de som var borta.

Döden är också en vanlig motiv i popkulturen. Köp denna otroliga Död Superman Poster på Amazon.com!

2Skulls Art

Kanske ingen annan ikon har haft en sådan universell inverkan på symbolik och konst än den mänskliga skalle. Dess symmetriska egenskaper är visuellt tilltalande för ögat, även om dess uppenbara association med döden fascinerar och avstöter samtidigt. Praktiskt taget varje kultur har utnyttjat den, oftast som en symbol för dödligheten, men ibland som en livsförklaring, som Mexiko använder skallar och skelett under Dia de los Muertos ("Day of the Dead") festivaler.

Skallen är ofta införlivad i still life paintings tillsammans med andra relaterade objekt. Ibland användes den någonstans i en målning som en dödsintyp eller målade på porträttens baksida för att tjäna samma syfte. En skalle kan också användas som ersättning för själva ämnet i ett porträtt om den personen var död. I Braque Family Triptych (1452) av nederländsk målare Rogier van der Weyden, en skalle är avbildad inte bara som en memento mori men en skildring av beskyddaren, vars prestationer symboliseras av tegelstenen och familjen vapen också visat.Skallen var ett vanligt föremål för smycken även under medeltiden, eftersom både män och kvinnor i överklassen hade medaljonger som graverades med ansikten på ena sidan och skalle på den andra som en påminnelse om döden och skyldigheten att leda moraliska liv.

På grund av sin estetiska överklagning användes ofta kranier för icke-symboliska och rent dekorativa ändamål. Cezannes De tre skallen (1900), en av flera målningar han gjorde av ämnet, kombinerar element av impressionism och expressionism, vilket skapar komplexa interaktioner mellan ljus och form som har teknisk och känslomässig mening men utan tonvikt på symbolisk mening som kännetecknade tidigare västerländska skullbilder. Vid 18 och 1900-talet hade skallen blivit en symbol för pirater och sedan rakes, ne'er-do-wells och outlaws. Denna användning fortsätter idag, vilket kan ses i mode och smycken av cyklister, punkrockers och andra anti-auktoritära subkulturer.

1Anatomi som art

År 1697 imponerade den holländska anatomisten Frederik Ruysch Peter den Store, att den ryska tsaren köpte hela samlingen av sitt arbete från Ruyschs anatomiska museum. Anatomiska föreställningar av konserverade människa och djur lik och skelett var inte nya, och inte heller var den typen av övertygande bildtexter ofta placerade på plack för att beskriva scenerna, men det som gjorde Ruyschs arbete unikt var att han gjorde sitt bästa för att skildra skönhet av anatomi och död.

Med renässansen i full gång och minnet av pesten avgående ledde blomningen av modern vetenskap med sig nya attityder mot döden och döende. Döden kunde ses som en cykel igen, en motsats till livet som var lika viktigt och gripande. Ruysch försökte fånga dessa idealer i sitt arbete som kombinerade balsamtekniker med skulpturala och målkoncept för att skapa verk som inkorporerade mumifierade barn och bevarade foster och skelett med stilleben och konstnärliga utsmyckningar som skapades med andra anatomiska detaljer, inklusive träd och buskar från mänskliga artärer och stenar bildade från njurstenar.

Ruysch fortsatte sitt arbete genom 1700-talet. Tyvärr, ingen av hans dioramas överlever idag, även om några dekorerade bebisar bevarade i burkar finns fortfarande. Vi känner till dem tack vare graveringens arbete, främst Cornelius Huyberts, som publicerade dem i Thesaurus Anatomicus.