10 filmmusiker med en skillnad

Jag älskar musikaler. Där. Jag har sagt det. Och det gör mig kanske en av de sällsynta själarna runt, för musikaler har blivit stadigt mindre populära (och stadigt mindre vanliga) sedan 1960-talet. På senare tid har musikaler blivit nästan helt begränsade till teatrar. Något som jag är säker på är alla djupt besvikna av.

De som konverteras till filmer är så ofta helt oförmögna att bära vikten av en scenmusik, eller att översätta melodramen till något publikum kan relatera till. Detta har lett till många misslyckanden: Producenterna (2004), Operaens Phantom (2005) och RENT (2005) för att kanske nämna de mest kända. Jag njöt av alla tre av dessa filmer, men mer på grund av en ingreppad bias, än för att de var bra exempel på vad en musikal skulle eller kunde vara.

Därför visas de inte på den här listan. Vad som kommer att vara här är exempel på filmmusikaler som har tagit nytt liv till en gammal form av underhållning, eller helt enkelt varit några av de bästa exemplen på musikaliska teater som någonsin kommit till skärmen. De har blivit rostade av både kritiker och publik, några till och med attraherar Oscar buzz (och vissa utövar själva Oscar), och kommer att vara kvar och fortfarande komma ihåg tio, tjugo, till och med femtio år från nu. Glöm inte att hålla din applåder till slutet.

10

Singin 'i regnet 1952

Released 1952, mitt i det som ofta kallas "Golden Age of Musicals", har Singin 'in the Rain varit ett av de mest varande exemplen på musikalisk bio. Medverkande Gene Kelly, Donald O 'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen och en kort, men extraordinär, cameo av Cyd Charisse, presenterar denna musikaliska några av de största danserna i sin tid. Inte bara detta, men det har kanske en av de mest kända scenerna i bio hittills. Det nominerades för två Oscar, inklusive en Bästa Skådespelerska i en Stödjakt nominering för Jean Hagens prestation som den skarpa Lena Lamont.

Det berättar historien om födelsen av "talkies" (eller talande bilder) i Amerika. Året är 1927, och The Jazz Singer har blivit en vild framgång som den första filmen någonsin visar upp sina skådespelare att sjunga och prata. Don Lockwood (Gene Kelly) är stjärnan i Monumental Pictures och har kollat ​​ut träffarna med sin hemska co-star Lena Lamont sedan hans upptäckt av studion när han bara var en ödmjuk stuntman. Att göra en talkie skulle inte vara en så svår uppgift om det inte var för Lenas totala brist på talang eller nåd på skärmen, nu när det oförsonliga tillägget av ljud har avslöjat hennes värsta kvalitet.

Minnesvärt Scen: Medan Gene Kellys dans i regnet är fantastisk finns det många andra briljanta föreställningar. Det är omöjligt att förbise Cyd Charisse i rollen som en namngiven dansare i "Broadway Melody" montage. Hon förför Gene Kellys karaktär innan han bryter sitt hjärta, och publiken är otvetydigt säker på detta, trots att inga linjer pratas. Hennes smyg, förföriskt dansnummer i en smaragdgrön klänning är nästan risqué.

9

Herrar föredrar blondiner 1953

http://www.youtube.com/watch?v=8ZRs__rmYMc&feature=youtu.be

Den här musiken var enormt framgångsrik på kassakontoret efter det att den släpptes 1953, men femtioåtta år senare är Marilyns smoldering som Lorelei Lee, en guldgigande showgirl, fortfarande mycket populär och berömd. För det mesta tack vare den scen där hon sjunger "Diamonds Are a Girl's Best Friend", medan du bär på hennes ikoniska rosa klänning. Musiken har också en annan, men mindre känd sexsymbol, Jane Russell, som avled tidigare i år.

Filmen är nästan överflödig med de två kvinnornas sex appeal, och de spektakulära kostymerna och musikaliska nummer. Det har blivit allmänt berömt, inte bara av dessa skäl, utan för att det cementerade Marilyns status som en stjärna. Innan Gentlemen Prefer Blondes blev hon ansedd som en ganska liten skådespelerska, som inte var i nivå med andra könssymboler som Jane Russell och Betty Grable. Efteråt raktade hon dock till världsberömning.

Minnesvärd scen: Utan tvekan sjunger Marilyn "Diamonds Are a Girl's Best Friend." Hon har sällan varit så vacker eller verkade så kontrollerad under en prestation. Trots att hon inte är dansare eller sångare utstrålar hon nåd (och överträffar praktiskt taget sexuella överklaganden) och visar en överraskande bra röst. Kostymen och uppsättningen är bländande ljusa, men regissören är noga med att se till att ingenting och ingen outshines Marilyn i hennes mest ikoniska prestanda, mest uppenbart av hans val att täcka de kvinnliga dansarnas ansikten med svart nät.

8

Kungen och jag 1956

Konungen och jag exemplifierar praktiskt taget den svepande, grandiösa scenmusiken som filmhögarna hatar, men trots detta var det en av de få i sitt slag att inte bara översätta extremt bra till skärmen, men uppnå både höga uppdrag på kassakontoret och positiva reaktioner från publik och kritiker. Baserat på 1800-talet berättar historien om Anna Leonowens (Deborah Kerr), en engelskspråkig lärare anställd att undervisa och ta hand om konungen av Siams (Yul Brynner) barn. Trots att det ofta visar sig de ofta accepterade raststereotyperna i sin tid, visar kungen och jag många låtar som fortfarande är välkänna och allmänt erkända: "Att lära känna dig", "Ska vi dansa?" Och "Jag vissla en lycklig melodi " för att nämna några.

Kungen och jag nominerades för totalt nio Oscar (inklusive Bästa Bild, Bästa Regissör och Bästa Skådespelerska), och vann 5 av de kategorier där den nominerades, inklusive en Bästa Skådespelare-pris för Yul Brynners prestation.

Minnesvärd scen: Den mest visuellt och musikaliskt fantastiska scenen måste utan tvekan vara den plats där kungen och Anna waltz (väl, polka) till låten "Skall vi dansa?" Det oserar nästan med sexuell spänning. Det är den uppenbara attraktionen och vänskapen mellan kungen och Anna som hjälper till att göra filmen så enthralling, eftersom det tydligt skulle ha blivit allmänt fördömd för de två att vara romantiskt inblandade i den tid som filmen sätts (eller till och med under tiden det var släppt) och det gör filmen kraftfull, såväl som visuellt fantastisk.

7

Min Fair Lady 1964

Min rättvisa dame började vara kontroversiell. Julie Andrews, som hade spelat Eliza Doolittle i scenproduktionen, ansågs först för filmrollen innan han nästan omedelbart ignorerades. Anledningarna är spekulativa; producenternas förklaring var att de trodde att kasta en scenskådespelerska i en produktion av flera miljoner dollar var för riskabelt. Det är dock troligt att hon bara inte ansågs ha tillräckligt med stjärnkraft för en stor Hollywood-musikal. Audrey Hepburn var allmänt ansedd som en skönhet och var redan en etablerad skådespelerska efter hennes uppträdanden i andra klassiker som Breakfast At Tiffany's (1961) och Paris When It Sizzles (1964).

Andra kontroverser följde, mestadels centrerar på valet att dubba 90% av Audrey Hepburns sångdelar med Marni Nixons röst. Ett val som störde Audrey, och anses vara en av anledningarna till att hon blev snubbed för en Oscar-nominering.

Trots dessa höjder rakade utlösningen av My Fair Lady på $ 72,000,000 på låtkontoret, och nominerades till tolv Oscar (inklusive Bästa Supportande Skådespelare och Bästa Supportande Skådespelerska). Det vann en svindlande åtta av dessa nomineringar. Dessa vinnningar inkluderade Bästa Bild, Bästa Regissör, ​​Bästa Cinematografi och En Bästa Skådespelare Award för Rex Harrisons prestation som Henry Higgins, den arroganta professorn i fonetik som satsar på att han kan omvandla en Cockney-blommatje till en "riktig dam".

Minnsvärd scen: Min rättvisa Lady satiriserar briljant skillnad i klassen, men aldrig mer perfekt än i "race course" där Eliza sanna natur tyvärr avslöjas genom hennes oförmåga att hålla småprat och istället inleda en berättelse om hur hennes moster var " gjort i "över en stråhatt och förlorar helt och hållet hennes huvud när loppet börjar.

6

Mary Poppins 1964

http://www.youtube.com/watch?v=yu23HHmOG48&feature=youtu.be

Trots vad många kunde säga var en ganska kall handling på uppdrag av producenterna av My Fair Lady, fortsatte Julie Andrews till stjärnan i en mycket populär och framgångsrik musikalisk av sig själv. Samma år släppte My Fair Lady. Mary Poppins behöver verkligen ingen introduktion, för jag är nästan säker på att de flesta skulle känna till den här historien. Om inte, handlar det om en familj i Edwardian England som besöks av vad som bara kan beskrivas som en "magisk barnepike".

Som en Disney-produktion var Mary Poppins nästan garanterat ett varmt svar på boxkontor, men jag tvivlar på att någon kunde ha insett hur varaktig filmen skulle vara. Musiken är utmärkt, och varför skulle det inte vara med en röst som Julie Andrews "i titelrollen? Det är tveksamt att musikalen skulle ha haft samma gnista utan Julie Andrews i den. Hennes vackra röst är tidlös och bär smidigt varje låt. Man kan också förlåta Dick Van Dykes förfärliga dåliga Cockney-accent och istället fokusera på den värme och humor som han medförde till Berts karaktär.

Det är omöjligt att berätta om en musikalisk omtalas som den här har varit, men jag tror att dess förmåga att underhålla både barn och vuxna är en av sina många försäljningsställen. De invecklade uppsättningarna bidrar till att skapa atmosfären i den spända Edwardian London, och de entusiastiska och engagerade föreställningarna från hela sin roll, även de två barnen Jane (Karen Dotrice) och Michael (Mathew Garber), gör vad som kunde ha varit en mycket förglömlig musikalisk in i någonting varande och älskad av många människor.

Det bestod My Fair Lady för Oscar nomineringar, vilket säkerställde en stor tretton nomineringar, däribland Bästa Bild och Bästa Regissör, ​​men lyckades bara vinna fem. Men det var, och fortfarande är, de mest Oscars någonsin vann av en Disney-film. Julie Andrews tog priset för bästa skådespelerska, något ironiskt, med tanke på att Audrey Hepburn inte ens hade fått en nominering för sin roll i My Fair Lady.

Minnesvärt Scen: Så många att välja mellan. Hästkapplöpningsscenen där Mary, Bert och de två barnen hoppar magiskt in i en av Berts ritningar är underbara och har två av sina många älskade musikaliska nummer: "Jolly Holiday" och, naturligtvis, "Supercalifragilisticexpialidocious" (ja jag kopierade och klistrade in det). Men jag tror att en annan stand-out är "Step in Time" när de flyger över Londons tak och möter Berts grymma skorstensvetsare. Det är en bra danssekvens. Jag börjar med att inse att om du inte har sett den här filmen kan det hända att det låter som någons drogdriven fantasi, men jag försäkrar dig att det är en mycket charmig och rolig liten film och ganska barnvänlig.

5

Rocky Horror Picture Show 1975

Okej, jag ljög. Inte alla filmer på den här listan fungerade bra när de först släpptes i biografer. Rocky Horror gjorde till exempel mycket dåligt. Det var faktiskt en komplett flop. Men det sände det mycket snart för detta i allvar. I slutet av 1970-talet började det visas vid den ökända midnattssökningen och samlades snabbt en enorm kult efter hela världen.Sedan dess har den blivit den längsta spelfilmen i teaterhistoria och visas fortfarande idag i biografer runt om i världen varje vecka.

Det är dock utan tvekan en underlig formel för en musikalisk: två "vanliga, friska barn" (i verkligheten ett förlovat par) som befinner sig i ett bisarrt katt- och musspel med den excentriska forskaren Doctor Frank-N-Furter, spelad av Tim Curry. Men utan tvekan har denna musikaliska livslängd cementerat genom denna fullständiga bortseelse för verklighet eller konventionell biograf. Det satiriserar en rad andra filmer, till exempel B-filmer, Science Fiction, Horror-filmer och till och med andra musikaler, samtidigt som man skapar briljant intryckta låtar av sig själv.

De rena, nonsensiga huvudpersonerna Janet (Susan Sarandon) och Brad (Barry Bostwick) luras nådigt, eftersom de kastas i en situation som blir alltmer obekväm och bisarr. Tim Curry är perfekt som den promiskuösa och helt fördärvade Dr. Frank-N-Furter.

Minnesvärt Scen: "Söt Transvestit" -scenen. Vad annars? Tim Curry exploderar på skärmen bär väldigt lite, helt skrämmande de två nykomlingarna, Brad och Janet. Det finns något att säga om en man som ser bra ut i nylon. Och vem kan bära en så bra melodi med höga klackar. Jag kommer också att ge hedervärda anmärkningar till "The Time Warp", som fortfarande är en favorit i skolformaliteter överallt, och "Hot Patootie", som stjärnor Meat Loaf som en missnöjd ex-delivery boy.

4

Fett 1978

Utan tvekan den högst upptagande musiken på 1970-talet, är Grease en annan filmmusik som har varit älskad i årtionden. Detta kan delvis bero på sin stjärnkraft. Med Olivia Newton-John och John Travolta vid roret som Danny Zuko och Sandy Olsen har det blivit välsignat med livslängd, eftersom många andra musikaliska stjärnor kan glida in i mörkret.

Men förutom detta tog det också scenen musikalisk som den var baserad på på skärmen med entusiasm och djärvhet, inte skymmer bort från att visa några av de mer kontroversiella ämnen som tonårsdrinkning och rökning, och karaktären Rizzo misstänkt oplanerad graviditet. Det hade också en poäng av älskad musik att lita på, sånger som "Summer Nights", "Greased Lightning" och "You're The One I Want." Faktum är "Summer Nights" och "You're The En som jag vill "var båda nummer 1 träffar i Storbritannien, och titelsången" Grease "av Frankie Valli var ett nummer 1 hit i USA och var speciellt skrivet för filmen.

Minnesvärt Scen: Återigen finns det så många i den här filmen. Det är utan tvekan en av de bästa erkända av publiken för dess ikoniska 50-tal inställning, och de många klassiska låtarna som produceras. Scenen på prom är dock en utmaning, inte bara för att den ger upphov till musik och atmosfär på 1950-talet, men på grund av blandningen av drama och humor. Uppfyllandet av Sandy som uppmuntras av Cha-Cha dämpas snart när några av de mer boisterösa ungdomar bestämmer sig för att ge ny mening åt sången "Blue Moon".

3

The Lion King 1994

http://www.youtube.com/watch?v=vX07j9SDFcc&feature=youtu.be

Den här musiken är lite annorlunda, inte bara för att det är uppenbarligen en animation, men för att den är den enda filmen på listan som ursprungligen var en film och senare anpassades för scenen. Scenproduktionen är magnifik och visar inte bara briljans i skådespelande och sång, men invecklade kostymer som ger livet till afrikanska slätter. Musiken har vunnit utmärkelser både på scenen och på skärmen, inklusive två Oscar.

Ofta citerad som en av Disneys bästa skapelser hittills, fokuserar den på den unga lejonen Simba, som kastas i konflikt efter att hans onda onkel Scar säkrar sin fars död. Det är baserat på Shakespeare's play Hamlet. Filmen har ett brett utbud av talanger: Mathew Broderick, Nathan Lane, Rowan Atkinson och Whoopi Goldberg, för att nämna några, och skaparna var tydligt dedikerade till att vara så realistiska och lojala i deras utseende av Afrika som möjligt.

Historien är också anmärkningsvärd för sin tragedi och realism. Döden ligger aldrig långt på de afrikanska slätterna Simba-strömmar, och det finns några verkligt onda och destruktiva karaktärer som önskar den unga prinsen skada. Dess Shakespeare-rötter hjälper till att hitta en verkligt rörlig och dramatisk historia, medan musiken är helt enkelt vacker. Det känns inte som att det läggs till som en eftertanke, som det kan i många andra animerade filmer, men känns istället djupt rotat i storylinen.

Minnesvärt Scen: Jag tycker att det är nödvändigt att nämna både ett musikaliskt och icke-musikaliskt ögonblick. Jag tycker särskilt att "Förberedd" låten är en briljant effektiv och visuellt rik scen, som också tjänar till att göra Scar-avsikterna mycket tydliga för publiken. En icke-musikalisk scen som ofta har tagit fram publikens fantasi är en kort efter Simbas misadventure med hyenaerna, där hans far Mufasa beskriver stjärnorna till Simba som "tidigare kungar" och lär Simba om sin framtid som kung.

2

Moulin Rouge 2001

http://www.youtube.com/watch?v=msFLf9x7s6M&feature=youtu.be

Moulin Rouge är ett annat undantag på denna lista. Det var inte, och fortfarande inte, en scen musikalisk, men det är verkligen en musikalsk värd att notera. Skådespelerska Nicole Kidman och Ewen McGregor bryter mot den traditionella musikaliska mallen, istället sprider den modern musik för att skapa det som kallas "jukeboxmusical". Även om dessa musikaler ofta kritiseras för att förlita sig för mycket på redan etablerad musik eller helt enkelt dumpning musik i mixen, Moulin Rouge skickligt skickat den moderna musiken för att både stärka storylinen och skapa den livliga, färgglada omgivningen av den parisiska bordellen, Moulin Rouge.

Historien handlar om kristen, den arketypiska "oanständiga författaren" som tror på sanning, skönhet, frihet och mest av allt kärlek. Han blir svår för Satine, en vacker courtesan som arbetar i Moulin Rouge, men han är inte hennes enda beundrare. En av de mest uppfriskande aspekterna av denna musikaliska är att alla sångerna görs av aktörerna själva. Nicole och Ewans sång är överraskande bra, och de bär sångerna så bra.I Baz Luhrmanns varumärkesstil är de musikaliska numren svepande och dramatiska, och landskapet är så levande och fantastiskt att det är nästan klaustrofobiskt. Det finns så mycket att se på att det nästan blir överväldigande, men det här föreställer perfekt atmosfären av vad Paris nattliv måste ha varit som 1900.

Det nominerades till åtta Oscars, inklusive Bästa Bild, Bästa Skådespelerska och Bästa Cinematografi, och vann också en rad andra utmärkelser, inklusive tre Golden Globes och en BAFTA för Jim Broadbents prestanda.

Memorable Scene: Finalen är anmärkningsvärd för sin svepande musik och fantastiska bilder samt dramatiska och tragiska crescendo. Kristins introduktion till underjorden i Paris är också en lysande scen, både för dess färg och storhet och för Ewen McGregors lämpliga "kanin i strålkastarna" reaktion på hans första syn på Satine. Nicole Kidman betalar hyllning till Marilyn Monroe, sjunger "Diamonds Are a Girl's Best Friend", men tar en mer smart och modernare inställning till klassikerna.

1

Chicago 2002

Den enda musikalen sedan 1968 för att vinna Best Picture, Chicago förnyade publikens intresse för musikaler och följde Moulin Rouges exempel på att göra musikaler grittier, sexigare och därför mer tilltalande för moderna filmspelare. Vid roret var Renee Zellweger, Catherine Zeta-Jones och Richard Gere, som inte bara gjorde sin egen sång, utan också genomgått träning så att de kunde göra all sin egen dans. Jag skulle till och med gå så långt som att säga att detta var bättre än scenproduktionen. Det har en grittiness till det och en stor skala som verkar lite pittoreska och squashed på scenen.

Historien berättar för sig om två morder, Velma Kelly (Catherine Zeta-Jones) och Roxie Hart (Renee Zellweger) som skickas till Cook County Fängelse för mord. Velma är en nattklubbdansare som arresteras för att skjuta sin man och syster efter att ha hittat dem i sängen tillsammans, och Roxie är en wannabe-stjärna som skottar sin pojkvän till döds efter att han inte lyckats göra gott om sitt löfte för att göra henne berömd. Under Matron "Mama" Morton (Queen Latifah) ser de båda planerna att släppa sig ur lagets kopplingar, med hjälp av advokaten Billy Flynn (Richard Gere).

Denna musikaliska var nästan säkert framgångsrik på grund av sin kloka användning av musikaliska nummer. Många människor ogillar inte användningen av "sångdialog" utanför en teater, och som de andra musikalerna på listan använder Chicago musik för att färglägga miljön och ge underhållning snarare än bara för att förfara historien, som ofta kan vara tråkig och långsam . Dess nummer är jaunty och provocerande och extremt catchy.

Anmärkningsvärda siffror är: "Rolig älskling", där Roxy sjunger om hur hon alltid kan förlita sig på sin långsamma man för att ta skulden för henne, "All That Jazz", en introduktion till risqué © antics of Velma Kelly på hennes natt klubb, "Cell Block Tango", en montage av alla damerna av mordrad och deras olika våldsbrott och "Hot Honey Rag", Velma och Roxy's finale. Men nästan alla siffrorna är catchy och visuellt intressanta; Det finns inte någon känsla av att någon speciell sång är ett "tråkigt nummer". Kanske för att det finns mycket liten sentimentalitet i den här filmen, och ännu mindre beroende av att använda musiken för att främja historien.

Som jag sa tidigare utförde denna film den bästa bilden år 2002. Något som har irriterat många människor sedan, vilket är ett bra exempel på de flesta musikaliska mottagningarna, hälsas med. De kastas ofta i samma korg som komedier när det gäller Academy Awards, och har verkligen inte varit populär hos akademin sedan slutet av 1960-talet.

Minnesvärt Scen: Jag tycker det är svårt att välja en, men jag tror att Cell Block Tango är utmärkt. Det har rätt mängd sex appeal och chock faktor, och dansen är lysande. Hela casten är extremt begåvad.

+

Sweeney Todd 2007

http://www.youtube.com/watch?v=MjCUJh9iULk&feature=youtu.be

Om jag var tvungen att välja en favoritmusik av dessa, skulle jag förmodligen välja Sweeney Todd. Jag betonar att "förmodligen". Det här är ett annat exempel på "musikalerna för folk som hatar musikaler" som Chicago och Moulin Rouge tillhör. Men istället för kön använder den blod för att tillfredsställa sin publik. Massor av blod. Även om det visserligen är detta förmodligen ett resultat av att han har Tim Burton som regissör, ​​som aldrig har varit blyg när det gäller grymt våld.

Hur som helst, Sweeney Todd översatte extremt bra från sitt ursprung på scenen, där Angela Lansbury (tekanna i "Skönhet och odjuret" för de av er som inte ivrig följer den oändliga återgången till "Mord, skrev hon ") Spelade fru Lovett. Filmen har en helt fantastisk gjutning av sig själv, som visar några stora unga engelska talanger, liksom en väletablerad talang: Johnny Depp och Helena Bonham Carter vid roret med Alan Rickman, Timothy Spall och Sacha Baron Cohen (ja, killen som spelade Borat) som lika bra co-stars.

Historien ligger i viktoriansk London och Tim Burton har kärleksfullt skapat den grymaste, grittiest och mest grymma världen som han kunde föreställa sig. Sweeney Todd har återvänt från Australien efter att ha tjänat femton år för ett namnlöst brott som han inte begått. Han dömdes felaktigt av domare Turpin (Alan Rickman) som är en extremt rik och kraftfull sexuell avvikare, som hade sitt öga på Sweeneys fru. Sweeney återvänder till London som bara vill hitta sin fru igen, men han återvänder för att hitta sitt hus tomt, hans hustru död och hans dotter i människans kopplingar som förstörde sitt liv.Sweeney flyger i raseri och börjar planera att slakta domaren och någon annan olycklig nog att komma iväg.

Det är extremt mörkt. Till skillnad från många andra musikaler skämmer det inte bort från blod, våld och extremt mörka teman. Men trots sin grimness finns det mycket som är visuellt fantastisk om den här filmen. Det kan tyckas märkligt att påstå att landskapet verkar vara ganska dödligt och sköljt ut, men Sweeneys blodiga hämnd på varje man som har olyckan att komma till honom för rakning är nästan konstnärlig i sitt våld och blodighet.

Minnesvärd scen: Montage av Sweeney slår sina kunders hals medan han sjunger om sin smärta vid att förlora sin fru och dotter, men jag är ganska rolig, men "En lilla präst" är ett strålande exempel på Johnny Depps förmåga att förlora sig nästan helt i hans karaktär. I den här scenen utformar han och fru Lovett en plan för att befria sig från de kroppar som kan börja hälla upp om de inte finner ett lämpligt sätt att avyttra dem. Lyckligtvis har fru Lovett en härlig plan.