10 fantastiska scener i musikhistoria

Efter den överraskande framgången med min första lista (som jag menar att det inte omedelbart kastades på den virtuella snabba högen), kände jag mig inspirerad till att skriva en annan. Denna lista fokuserar på några av de mest älskade scenerna i musikteaterhistoria och täcker ungefär sextio-sex år. Det är naturligtvis svårt att förena sex decennier till 5000-udda ord, men man försöker.

Till skillnad från i min sista lista är inte alla musikalerna som dessa scener är framgångsrika eller minnesvärda, men scenerna själva är klassiska, innovativa eller presenterar stor talang. Jag har varit övertygad om att gå in i mer detalj denna gång, även om jag också har försökt att vara säker på att inte upprepa något som redan besöktes i den sista listan. Jag kan försäkra dig om att min missledda entusiasm för musikaler är tillräcklig för att fylla i två listor. Kanske tre. Hmmm.

Singin 'i Rain Singin' i regnet (1952)

http://www.youtube.com/watch?v=rmCpOKtN8ME

En ständig klassiker, Singin 'in the Rain, producerade en stjärna i 19-årige Debbie Reynolds, medan han ytterligare cementerade glansen hos Gene Kelly. Det producerade också sin co-star Donald O 'Connors mest minnesvärda och populära danssekvens, "Make' Em Laugh", där han visade upp hans ansträngda, akrobatiska dansförmåga. Scenen har återskapats många gånger sedan, på visar som Glee (olyckligtvis) och Oscarerna.

Men den mest kända scenen är utan tvekan titelsången, på grund av den oförglömliga bilden som den förmedlar av Gene Kelly, paraply i handen, dansar i regnet. Det är svårt att välja vad som blir en omedelbar klassiker, men sedan starten har den här scenen blivit återskapad, hedrad, refererad och spoofed flera gånger än kanske någon annan filmplats. Det remixades också ganska nyligen i en anmärkningsvärd Volkswagen-reklam.

En av de mest fängslande sakerna om den här scenen är hur polerad och strikt koreograferad verkar, men bakom kulisserna var det allt annat än. Många människor är medvetna om historien om att Gene Kelly är extremt sjuk när han fotograferar den här scenen. Nekar att lämna uppsättningen tills han kunde springa igenom scenen minst en gång, legenden är att den sköts i ett tag, med mycket begränsad blockering. Begreppet av en sådan klassisk biograf som skapas i en kortvarig takt är mycket romantisk och har sedan dess tagit fantasierna av aktörer och publik.

Regnet i sig var gjord av vatten och mjölk för att göra det tjockare och mer synligt på skärmen. Tappningen av Gens skor var också kallad senare, och det var också gjort för mycket av Debbie Reynolds tappning i filmen. Trots dessa klumpiga tekniska detaljer skulle tittaren aldrig veta vad ansträngning gjordes för att få scenen att fungera. Sången, i kombination med Gene Kellys obestridliga talang, skapade en klassisk scen i biografen och en av de största i danshistoriken.

Två små tjejer från Little Rock Gentlemen Prefer Blondes (1953)

http://www.youtube.com/watch?v=iqBIhPOFA5w

Medan inte ett särskilt bra exempel på Marilyn Monroe eller Jane Russells bästa sång eller dans, var den här låten öppningsplatsen i Gentlemen Prefer Blondes, filmen som lanserade Marilyn Monroe till stjärnvärlden. Marilyn hade dykt upp i några framgångsrika filmer före denna produktion, som Monkey Business (1952) och Niagara (1953), men det var inte förrän Gentlemen Prefer Blondes att hon fick stor uppmärksamhet. Vid denna tidpunkt betraktades hon fortfarande som en mindre känd skådespelerska än Jane Russell, och hennes namn debiteras därför under Jane's i öppningskrediterna.

Vid tiden som herrarna spelades upp hade hon modellerat en persona av smörjande sexklapp, inslagna i en nästan naiv, vidgad oskuld. Marilyn berättades förmodligen under filmen av herrar att hon behövde tona ner den här sexuella magnetismen, som ibland kan bli lite för intensiv för den söta, likbara (men lite conniving) rollen som hon spelade (Jane Russell var ansett att säga att tonen det upp). Men hon började bara slå ett ackord med den filmliga allmänheten med denna beräkningsexualitet, och det var en populär aspekt av hennes skådespel.

I den här berömda scenen presenteras vi för Jane Russell och Marilyn Monroe karaktärer i bländande Technicolor. Det var bara andra gången publiken hade hört Marilyn sjunga (den första var i en 1948 B-film kallad Ladies of the Chorus) och en av hennes tidiga glimtar med platina blonda lås som skulle bli hennes signatur (före Monkey Företag, hon hade försökt flera olika nyanser av blondin, i Do not Worry (1952) är hennes hår mer en gulaktig, gyllene nyans än den vita blondinen vi känner till).

Det måste ha varit klart för filmspelare, när de såg den här blonda bombshellen explodera på scenen i hennes prickiga röda paljetter, att de tittade på en sann stjärna, en kvinna av ofattbar skönhet, och tyvärr underrated talang. Hon håller sig lätt med sin mer erfarna co-star och glädjer den andliga, drömmande sångröst som skulle bli ett av hennes kända varumärken.

Under hela hennes korta karriär var Marilyn vanligtvis typecast som vackra men idiotiska sexpots. Trots denna person på skärmen hade hon ett djupt intresse för psykoanalysen, mycket liberala övertygelser (särskilt om lika rättigheter) och sägs av tredje man (och författare av lek The Crucible), Arthur Miller, vara en hängiven köpare av böcker. Det finns en återkommande rykt om att hon hade en IQ på över 160, vilket, om det är sant, skulle göra henne mycket mer än vanligt intelligent.Visserligen mycket mer intelligent än en viss amerikansk president har hon ryktats för att ha romanserat på den slöja. Men "IQ rykten" är bara en av många som fortsatte att yta i åren efter Marilyns död, något mer kontroversiell än andra. Hennes ofta mycket starka anmärkningar tyder på att hon var långt ifrån ointelligent, en gång quipping: "Tala om Oscars, skulle jag vinna överväldigande om akademin gav en Oscar för faking orgasmer. Jag har gjort några av mina bästa att övertyga mina partner jag var i ecstasy. "

Men hon kunde aldrig riktigt slåss mot den vanliga skrivprocessen, även om hon lyckades avvika från hennes blondine-roll i några av hennes filmer, som Niagara, Bus Stop (1956) och The Misfits (1961). Trots hennes framgång var Marilyns liv också mycket oroligt. Mot slutet av hennes liv var hon mycket sjuk och led två missfall. Under hela sitt liv led hon av depression och stavar av vild självförstörelse. Hon skulle dyka upp för att filma sent, dazed, tilltalad av piller, och ibland skulle det inte dyka upp alls. Hon sprängdes allmänt som en mardröm att arbeta med på grund av hennes oprofessionella beteende och problem med alkohol och droger.

En av dessa instanser var på uppsättningen prins och showgirl (1957) där den uppskattade skådespelaren Laurence Olivier ofta attackerade Marilyn för sin tardiness och för att glömma hennes linjer. Marilyn kände att hon var gjord för att känna sig otillräcklig och oönskad av den engelska stormen (men efter hennes död skulle han uttrycka sin avsky för hur hon var hänsynslöst utnyttjad av branschen). Men hon berättade också mer ljushjärtat om hur hon hade tilltalat honom när han en dag "hade givit sitt helvete" om att "skruva upp": "Jag lurade honom genom att berätta för honom att jag trodde att hans Hamlet (1948) var en av de största filmerna som någonsin gjorts. Du vet att han vann en Oscar för det. "

Tjejjakt Bandvagnen (1953)

Den här scenen, från filmen The Band Wagon, är en liten bit från filmens klimax. Filmen centrerar på slående Hollywood skådespelare Tony Hunter (Fred Astaire), som känner att hans stjärna är avtagande och att hans berömmelse torkar upp. Han övertalas till huvudrollen i en ljust musikal som hans två författarvänner har skapat. De använder misstaget Jeffrey Cordova (Jack Buchanan), en skådespelare och regissör med många utställningar som körs samtidigt på Broadway, för att hjälpa till i produktionen.

Melodramatisk, och lite pretentiös, blir Cordova omedelbart den pittoreska musikalen till ett stormigt drama, komplett med komplexa mekaniska uppsättningar som så småningom fungerar och förstör premiären på showen. Han sysselsätter också den statyeriska balettdansern Gabrielle Gerard (Cyd Charisse) för att stjäna bredvid Tony. De två förstörs ihop, men sammanfaller i slutet för att göra showen till en succé.

Efter att Cordovas produktion kollapsar, övertygar Tony honom att återgå till sina vänners ursprungliga låtar. Dessa inkluderar en montage med titeln "Girl Hunt", som är en spion av brottsfiktion och "hårdkokta" detektiver som ofta förekommer i den. I den här scenen spelar Fred Astaires karaktär en gruffdetektiv på jakten på plågarna av en känslig blondin, som spelas av Cyd Charisse karaktär Gabrielle. Gabrielle spelar också en sultrig, "farlig" brunett, som försöker förföra detektivet.

Cyd Charisse och Fred Astaire var båda extraordinära dansare, som denna scen utan tvekan visar. Cyd Charisse föddes bokstavligen för att vara en dansare och höll det i aktning över jämnverkande. Hennes ben var försäkrade för 5 miljoner dollar, och hon är en av de få kvinnorna som dansat med både Fred Astaire och Gene Kelly, andra inkluderar Rita Hayworth, Debbie Reynolds och Judy Garland.

Fred Astaire var känd för sin otroliga nåd, hans perfektionism och ljushet i foten. Gene Kelly noterades ofta för sin kraft och styrka, medan Fred Astaire var mer exakt och ibland ansetts mer samordnad. Men även Cyd Charisse själv var mycket diplomatisk i frågan, kommenterade i hennes självbiografi: "Det är som att jämföra äpplen och apelsiner. De är båda läckra. "

Rich Man's Frug Sweet Charity (1969)

För att hoppa framåt i sexton år hade Sweet Charity inte turen att födas på 1950-talet, där tvivelaktiga tomter och sällsynta hjältomar var allmänt förlåtna om de musikaliska siffrorna framgångsrikt försonades för det. Sweet Charity-stjärnan dansare, sångare och skådespelare Shirley MacLaine, som tog en av filmens sånger "If My Friends Could See Me Now" som hennes varumärke.

Filmen bär också en annan ständig favorit, "Hej, stor spenderare." Filmen själv följer Charity Hope Valentine's misadventures (jag sa att hon var söt), en naiv dansare för uthyrning, aka prostituerad. Trots att den ständigt utnyttjas i livet och faller på svåra tider, förblir hon hoppfull. Hennes drömmar verkar ha blivit sanna när hon lämnar den snygga danshallen hon jobbar i, och möter Oscar Lindquist (John McMartin), som verkar vara förståelse för hennes tidigare yrke, även om han senare kämpar med tanken.

Gjord i slutet av 60-talet kunde denna musikaliska våga ta itu med problem som tidigare musikaler inte kunde. Prostitution påpekades ofta i filmer i 30-talet, 40-talet och 50-talet, liksom sexuell promiskuitet (Bette Davis's Jesebel (1938) och Joan Crawfords The Damned Do not Cry (1950) våren till sinne), men moraliskt tvivelaktiga kvinnor blev vanligtvis i slutändan straffad av förnedring eller hjärtat, eller dödades av (Bette Davis 1931 Waterloo Bridge är ett exempel på det senare).

Ibland antyddes sexualitet på ordlösa sätt för att undvika sensorns vrede.Cyd Charisse och Marilyn Monroe var ofta "censuroffer", vilket innebar att de var noga med att se till att inga olämpliga hudmängder visades eller att de överträffade märket när det gällde deras sexöverklagande. Cyd Charisse uttryckte sin uppmärksamhet med denna uppmärksamhet och sa: "Censorerna var alltid där när jag var på uppsättningen. När jag stannade i en hiss var de uppe på stegar för att se om jag var ordentligt täckt. "

Men i Sweet Charity Charity säger allt men att hon sover med män för pengar, men blir aldrig skamad eller dödad för sina handlingar. Hur man hanterar denna fråga gjorde även filmen av filmen ganska omtvistad. Ross Hunter (producent av 1967 Thoroughly Modern Millie) var ursprungligen tillverkare men släpptes på grund av oenigheter med regissören Bob Fosse om hur man hanterar den känsliga frågan om prostitution. Ross Hunter var inte känd för sin smak av gritty realism, så det är möjligt att han inte önskade att Charity yrke skulle nämnas alls.

Stormar i teacups åt sidan, "Rich Man's Frug" är en exceptionellt välkoreograferad och ojämn scen där Charity åtföljer en kändis till en exklusiv klubb och tittar på golvet. Musiknumret verkar också satirisera karaktären av kändis och välgörenhet, skapa en scen som är ganska bisarr och outlandish, komplett med cheetahs i burar och utarbetade marmorstatyer. Scenen dricker också praktiskt taget i sextiotalet, som är mycket trogen mot stilen och kollin av tiden, och av den anledningen är det ensam mycket minnesvärd och roligt att titta på. Du förväntar dig nästan Austin Powers att gå ut när som helst.

Sommarnätter Grease (1978)

För att hoppa framåt ytterligare nio år, pressade Grease igen kuvertet när det gällde tabu-ämnen. I den här filmen har tonårssex, dricks och rökning en stor roll i storylinen (även om lyricisten gör det säkert att nämna att Sandy och Danny är "arton" och därmed åtminstone åldern för samtycke). I stället för blyg från fakta, målar musikalnumret "Summer Nights" en realistisk bild av en gymnasium: pojkarna är nästan alla fascinerade av sex, tjejerna kan vara små och tvåfasade. Det finns en uppenbar rivalitet mellan Sandy och Rizzo, som inte delar de andra flickornas intresse för Sandys sommarromans med Danny, medan Dannys vänner är mer intresserade av "hur långt" Danny fick Sandy än någonting annat.

Den här älskade musikalen antogs från scenen och förändrades för att passa om att Olivia Newton-John var australisk (kanske kunde hon inte göra en övertygande amerikansk accent?), Vilket gör Sandy inte en amerikansk tjej utan en australiensisk utbytesstudent. Beroende på produktionen har prestationerna av denna musikaliska sedan valt att behålla denna förändring eller inte, (produktionen i min gymnasium valde att hålla Sandys australiensiska arv, överraskande).

Censorerna sjönk fortfarande sina tänder in i filmens många sexuella referenser, så att vissa av de mer råa referenserna skars. Kanske av rädsla för att onödigt lura censorerna, beslutade producenterna att casta Harry Reems som Coach Calhoun på grund av sin omvända övertygelse om "konspiration att distribuera obscenity över statliga linjer" och hans band till vuxna filmer. Stockyard Channing, som spelade den promiskuösa Rizzo, hävdade i en intervju att hickeysna på hennes nacke i en av scenerna var riktiga, och att Jeff Conaway "insisterade på att tillämpa dem själv". Men personligen tror jag att det här påståendet exemplifierar Stockyards sura vit än vad som helst ovanligt fungerande metoder.

"Summer Nights" -scenen inträffar tidigt i filmen, och är utan tvekan den mest kända och mest älskade av alla fett scenerna. "Du är den som jag älskar" och "Greased Lightning" är också återkommande och varaktiga favoriter, men "Summer Nights" är den enda sången som ska visas i en insektsåtergivande reklam så att den klart överstiger listan. Det gav i ett ganska kort tal en stor inblick i 1950-talets skolatmosfär som filmen ville skapa. Det introducerade och utmärkte karaktärerna av grunda Marty, prickiga Rizzo och söta, bubbla Frenchy, och de av Dannys kvinnliga "T-Bird" -vänner.

Olivia Newton-John visade upp sin starka sångröst, om inte starka skådespelare, medan John Travolta följde upp sin populära roll i Saturday Night Fever (1977) med en lika hyllad roll och började en mycket lång och framgångsrik karriär i film.

Springtime For Hitler The Producers (1968/2005)

Jag är en av de sällsynta människor som föredrar The Terrible 2005-remake av The Producers än det klassiska, banbrytande originalet. Jag känner mig oren för att erkänna det, men där är det. Det är Nathan Lane, och han är fantastisk, och jag är svag. Men, bekännelser åt sidan, är detta musikaliska nummer kanske ett av de mest hilariska, vackert satiriska numren någonsin gjorda. Det droppar med Mel Brooks rambunctious wit.

Mel Brooks mente att den bästa hämnden vi kunde ta på Adolf Hitler, för att påföra sådan hat och elände på världen, var att bespotta honom, utan hänsynslöshet, och han gör det. I 1983 återskapandet av att vara eller inte att vara han verkar han som fuehrer själv och frågar: "vad vill de ha av mig !? Jag är godmodig! Jag är godhjärtad! Jag är snygg! "När han upptäcker vilka utländska tidningar som kallar honom och fortsätter att sjunga att han inte vill ha krig, vill han ha fred! En liten bit av varje land i Europa.

Producenterna var en av hans mest framgångsrika och älskade comedies, lagde Gene Wilder med Zero Mostel och skapade ett av de roligaste, mest offensiva numren i musikalisk historia. Brooks anpassade senare filmen till scenen och gjorde det till en musikal. Nathan Lane verkade som Max Bialystock i scenproduktionen och tjänade sin andra Tony-utmärkelse. Hans erfarenhet på scenen är kanske varför han gick bättre än Mathew Broderick i remakeen, och är så rolig som den snygga Max Bialystocken.

2005 års remake är faktiskt mer en trogen remake av scenen musikalisk än den ursprungliga filmen, som inte hade några av de musikaliska numren som senare skrevs för scenen ("Vi kan göra det", "Keep It Gay", "You Säg aldrig god lycka till öppningsnatt, "" Förråd, "osv.) Och olika tecken till nyinspelningen. Till exempel, i 2005-remake är Hitler avbildad som väldigt jämn, medan han i originalet avbildas mer som en narkotikamissbrukad pothead.

Filmen och musiken både på Max Bialystock (för övrigt är "Bialystock" också den polska staden Brooks förfäder bodde i, och som förstördes av nazisterna under andra världskriget), som möter den mousiga revisorn Leo Bloom för att göra störst floppen i historien, i hopp om att pengarna de höjer för produktionen kommer att vara mycket mer än vad som behövs. De väljer "Springtime For Hitler", en lek som är säker på att förolämpa människor överallt och anställa en kitschy regissör, den galna, nazist-sympatiserande dramatiker och otrevliga skådespelare för att se till att musiken har kortast körning på Broadway i historien.

Att slå Nazi-Tyskland i en scenmusik är bara det mest offensiva som någon kan försöka, men med sin outlandish, över-top-galskap är "Springtime for Hitler" ingenting annat än lysande i sin avsiktliga smaklöshet. Både 1968 och 2005-versionerna av "Springtime for Hitler" -scenen omfattar starkt Brooks satiriska humor, men originalet har fördelen av att vara, ja, originalet. Och om att ha Brooks dubblar en av dansarnas linjer ("Var inte dum, var smart. Kom och bli med i Nazi-partiet!"), Men i 2005-versionen ser vi som lättsamklädda soldat kvinnor tar tapparna av osynliga granater med sina tänder, medan en blond John Barrowman (Torchwood) dons en tysk uniform. Det är en tuff.

La Vie Boheme RENT (2005)

http://www.youtube.com/watch?v=czJHTEeEJmU

Trots att det inte var nödvändigtvis en speciellt minnesvärd film i sig, skapade RENT en riktigt bra scen och åtföljdes av låten "La Vie Boheme." Baserat på scenproduktionen med samma namn, hyr utgifterna för de fattiga bohemians liv som bor i New York. Bland dem är en filmskapare, en musiker, en drogmissbrukad exotisk dansare, en transsexuell och en filosofiprofessor (båda har aids) och en bisexuell performanceartist.

Det verkar som en överdriven och lite förvirrande premiss för en musikalisk, men RENT handlar inte om ljushärdig komedi eller romantik. Det tar itu med många kontroversiella frågor och koncentrerar sig särskilt på AIDS-paniken i slutet av 1980-talet och 1990-talet. Det är också baserat på Puccini opera La Boheme, som har en liknande historia av kämpande artister och musiker.

Filmen är mer eller mindre en serie gritty, hardt slående tal, om många frågor, som sexualitet och heroinberoende. Scenproduktionen gick långt bättre än filmen och vann Tony for Best Musical, medan filmen drabbades av den "staginess" som så ofta alieniserar publiken från musikaler. Dess (ibland överväldigande) grymt material är inte tillräckligt för att kompensera för det faktum att det finns mycket liten dialog, och några av numren verkar obehagliga och orealistiska utanför scenen. Några av de disheveled bohemians scener som plötsligt bryter in i sången är väldigt klumpiga.

Men bristerna åt sidan, "La Vie Boheme" är ett av de lättare, snyggare numren, vilket ger mycket behövs lättnad från det nyktera drama. I stället för att fokusera på bohemernas svårigheter, omfattar "La Vie Boheme" sina olika skillnader och står starkt mot konvention, konservatism och fördomar. Numret är klumpigt och vittigt, med särskild inriktning mot bohemians ex-rumskamrat Benny Coffin III (Taye Diggs), som de känner har förrått och övergivit dem. Benny tar en mer realistisk inställning till sin situation, påpekar att de svälter och lever i ett farligt, smutsigt grannskap, men verkar rufsade av sexualitets- och motviljan.

Sangen hänvisar också till Wizard of Oz i raden: "Varför Dorothy och Toto gick över regnbågen för att blåsa av Auntie Em. La Vie Boheme! "

El Tango De Roxeanne Moulin Rouge! (2001)

Under 2001, efter en begränsad utgåva i USA, inledde Moulin Rouge en långsam men säker dominans av lådkontor över hela världen. Baz Luhrmann, med sitt ojämnaste, skumma varumärke, skapade en film av enorm makt och överklagande och tog begreppet "jukeboxmusicals" i större utsträckning än någon annan film hade tidigare. Det hänvisade till ett stort urval av konstnärer och musik, framför allt i låten "Elephant Love Melody" där en majoritet av låten är skapad av singeltexter från berömda kärlekssånger från artister som The Beatles, Whitney Houston, David Bowie, Elton John , och U2.

"El Tango De Roxanne" (baserat på låt "Roxanne" av polisen) äger rum i slutet av filmen.Kristen och Satin är älskare, men hertigen arbetar aggressivt med Satin och gör ingen hemlighet om vad som kommer att uppstå om han upptäcker att Satin är otrogen mot honom. När numret börjar har Satine varit tvungen att tillbringa natten med hertigen, och kristen är intensivt avundsjuk. Sittande i broderi tystnad med de andra invånarna i Moulin Rouge, tar han sin ilska på en av de andra prostituerade, vilket berättade hennes älskare, den omedvetna argentinska (Jacek Koman), att vedergälla mot kristen och anklagar honom för att ta det på sig för blir kär i en kvinna som säljer sig: "När kärlek är den högstbjudande kan det inte vara något förtroende. Utan förtroende finns ingen kärlek. "

Numret är nästan en throwback till "Golden Age" biografen, på det sättet att den centrerar sig i stor utsträckning på traditionell, samspelad dans. Detta var vanligt i äldre musikaler: "Pick Yourself Up" från Swing Time (1936), "You Went Me For Me" från Singin "I Rain," Girl Hunt "från The Band Wagon (1953) är exempel bland otaliga andra . Men det verkade förlora popularitet som tiden var på och blev alltmer sällsynt, kanske för att det var allt svårare att övertyga den yngre, mer kyniska publiken av en realistisk situation när ett par skulle sporadiskt spränga in i dans tillsammans. Kontrastivt är kaotisk improviserad dans, som den i "La Vie Boheme", mycket lättare att integrera.

Men i Moulin Rouge fungerade bilden av raderna av par som dansar i "El Tango De Roxanne" spektakulärt, trots den svåra uppgiften att sy ihop med den sekundära tomten av Satine och hertigen. Det är ett exempel på felfri musikalisk bio. Det finns ingen söm mellan den talade dialogen och musiken, den smälter samman perfekt.

Laced mellan tango från Moulin Rouge och män ser vi scener av hertigen och satinen tillsammans. Hertigen tror att Satine är slagen med honom och är överdådiga gåvor på henne, men hans humör sitter snart när han inser att det inte är honom som Satin är kär i.

Förresten spelas den främsta dansaren i den här scenen ("Roxanne") av Caroline O 'Connor, en berömd australisk skådespelerska, mest känd för sin roll som Velma Kelly i scenproduktionen av Chicago.

Cell Block Tango Chicago (2002)

Jag läste nyligen att en kritiker, vid granskning av Chicago, hade trott att "Cell Block Tango" hade spelat ut i filmen på samma sätt som den hade på scenen och jag kan säga att ingen som har sett både filmen och scenproduktionen skulle kunna göra ett sådant krav. Scenproduktionen är centrerad starkt på minimalism, och handlingarna är anordnade ungefär som en vaudeville-show, vilken typ av show som Renee Zellwegers karaktär Roxie Hart desperat vill star in.

Ziegfeld-follierna beskrivs ofta som en "högre klass" av vaudeville-sorten som visade sig från slutet av 1880-talet till 1930-talet. Vaudeville visar var uppbyggd av ett brett spektrum av handlingar, allt från "freak shows" till sång och dans. Det hade vanligtvis också de arketypiska vackra, kostymklädda körpigarna. För att behålla denna vaudeville-smak presenterar Chicagos scenproduktion både klassiska dansnummer, som "All That Jazz" och "Jag kan inte göra det ensam" och andra föreställningar, som "Ungerska Försvinnande Act".

Filmen höll också vaudeville-smaken av några av numren, men kunde självklart skapa mycket mer invecklade, komplexa scener som scenproduktionen. I likhet med "El Tango De Roxanne", där cutaway scener av Satine och hertigen visas, använder "Cell Block Tango" cutaway scener av Roxy i fängelse för att skapa två tomter, en som förekommer i Roxy sinnen och den andra som är den verklighet. Det finns andra exempel på detta. Särskilt anmärkningsvärt är scenen när en av de fängslade kvinnorna hängs. Den hängande scenen är knuten mellan skott av en "magisk handling" kallad "Berömda ungerska försvinnande lagen". Scenen är mindre effektiv på scenen, eftersom publikens fokus är uppdelad mellan att titta på "försvinnande handling" och den faktiska hängande.

Kritikern är korrekt i det att det kanske inte är möjligt att filmen sätter på "Cell Block Tango" kunde översättas till scenen, eftersom ingen CGI-effekter användes i scenen. Men det skulle behöva vara en produktion av Phantom of the Opera-dimensionerade proportioner för att uppnå en sådan prestation.

Trots de extra fördelarna med cutaway scener (och en stor budget) är filmen på "Cell Block Tango" annars ganska enkel. Det är i grunden en extremt snygg, storskalig vaudeville-handling. Konceptet involverar varje mord i Cook County Failure som berättar det mord hon begått, med en röd halsduk för att efterlikna "var blodet skulle ha varit".

Den scenproduktion som filmen baseras på är i sig själva baserad på en film (faktiskt två filmer), som i sin tur bygger på de två mycket offentliga prövningarna av två mördare i 1920-talet Chicago. Historien har tagits till skärmen två gånger före, en gång i en tyst 1927 film med samma namn, och igen i Roxie Hart (1942), där Ginger Rogers (Fred Astaires samarbetspartner) framträder som Roxie.

Någonstans över regnbågen The Wizard of Oz (1939)

Jag bestämde mig för att lägga till detta som ett slags extra, eftersom det har uppenbara skillnader i de andra scenerna. Mest uppenbart är att det inte innehåller någon dans. Men en överblick skulle säkert göras om den här klassiska scenen utelämnades (yay för agent mindre meningar). Wizard of Oz lanserade en 17-årig Judy Garland i stardom.Innan den här filmen hade hon dykt upp i flera små, otroliga filmer och det var inte förrän hon utförde "You Made Me Love You" på födelsedagsfestet i Clark Gable att hennes företag MGM verkade förverkliga sin potential.

Wizard of Oz vände Judy till ett hushållsnamn, och därefter kom hon fram i flera framgångsrika musiker: Möt mig i St. Louis (1944), bredvid Fred Astaire i påskparaden (1948) och vid sidan av Gene Kelly i The Pirate (1948) . Vid åldern tre dök hennes dotter, Liza Minnelli, också bredvid henne i The Good Old Summertime (1949).

I likhet med Marilyn var Judys liv extremt oroligt och kontrollerat av fem äktenskap och många angelägenheter (några av hennes påstådda älskare inkluderade Frank Sinatra, Yul Brynner och Orson Welles) samt flera försök till självmord. Hon anklagade ofta MGM för att få henne att känna sig otillräcklig om hennes utseende och behandla henne dåligt. Liksom många filmfigurer i hennes tid led hon av ett alkoholproblem och en receptbelagd narkotikamissbruk, och detta kan ha lett till överdos och död 1969, vid 47 års ålder.

Judy är fortfarande en av de mest erkända och berömda skådespelerskorna hela tiden. Den här statusen stöds av The Wizard of Oz 'varaktiga popularitet, och låten "Over the Rainbow", som gjorde henne en stjärna och förde henne en starkt sjungande röst utbredd beundran. Låten snagged # 1 på The American Film Institutes lista över "Greatest Songs" under de senaste 100 åren. Sångens wistful sadness är starkt associerad med Judy och hennes slutligen tragiska liv.

Judy var ofta mycket öppen om problemen i hennes liv, och hennes ord antydde ofta på djup olycka. Hon citerades i biografin Judy (1999) och sa: "Jag ville tro och jag försökte min fördömda att tro på regnbågen som jag försökte komma över och kunde inte. Än sen då? Massor av människor kan inte ... "

Babbitt och Bromid Ziegfeld Follies (1945)

Mindre en film än en serie enskilda musikakter, Ziegfeld Follies har en rad stjärnor: Fred Astaire, Gene Kelly, Judy Garland, Cyd Charisse, Lucille Ball, Lena Horne och en av de ursprungliga Ziegfeld Follies-tjejerna, Fanny Brice.

Ziegfeld-follierna var överdådiga teaterföreställningar som sprang från 1907 till 1937, och mestadels uppvisade kvinnor sjöng, dansade eller bara visade sina utseende och figurer. Ziegfeld-follierna var kända för deras extravagans. Skaparen, Florenz Ziegfeld Jr., tänkte idén om att ta den populära vaudeville-premissen av orelaterade musikaliska handlingar och sedan omge dem med stora uppsättningar och kostymer. Han hade också scener där vackra kvinnor helt enkelt skulle utgöra olika sätt och kallade dessa "levande bilder".

Historien om Ziegfeld Follies är extremt intressant och kontroversiell, men alldeles för lång för att diskutera här. Det ger ändå någon extremt rik duk för någon film. Tyvärr är Ziegfeld Follies premiss ganska svag och består av Florenz Ziegfeld som sitter i himmelen och psykiskt uppmanar de scener som följer. Trots denna tunna historia, "The Babbitt and the Bromide" är verkligen anmärkningsvärt. Sida vid sida är två legendariska dansare: Fred Astaire och Gene Kelly. Det var den enda gången de två skulle dansa tillsammans i sin karriär, förutom det är Entertainment Part II (1976), 31 år senare.

Handlingen består i sig av ett "Babbitt" och ett "bromid" möte på gatan och påbörjar en meningslös och grundlig diskussion. En "Babbitt" är ett ganska obskämt ord för en självklart, smalinnad medelklassman och en "bromid" är ett ord för en orättlig eller otrevlig talesätt som tyder på att Fred Astaires karaktär också är båda dessa egenskaper (förutsatt att Astaires karaktär var bromiden, jag tror inte att det någonsin tagits upp). Fred Astaires nåd och precision, Gene Kelly fysiska styrka och anmärkningsvärda koreografi färdigheter gör för en klassisk, oförglömlig scen.

Det är också minnesvärt för att det ses som mötet mellan två genier, särskilt som de två männen spelar sig själva och inte karaktärer. De retar varandra i början av scenen, Gen hänvisar till Freds frekventa danspartner Ginger Rogers, och Fred gör detsamma med Gens danspartner Rita Hayworth i 1944-film Cover Girl.

« 10 Great Scam Baiting Operations 10 stora seriösa Sci-Fi-filmer från 1950-talet »