Dela med sig:
Topp 10 Stora Cinematografer
Cinematografi är på många sätt ett oacceptabelt jobb. Alla vet vad deras grundläggande syfte är, hur viktigt det är för filmen, och hur visuella bilder ofta är mest minnesvärda, men många skulle kämpa för att även namnge en filmograf. I filmens historia är filmografens roll en ofta försummad, och ändå har de varit lika viktiga och inflytelserika som regissörer, författare och skådespelare. För att fira dem, här är en lista över de tio största och mest inflytelserika cinematographersna. Du kan också gilla våra Top 10 Cinematografiska mästerverk.
10Kazuo Miyagawa 1908-1999
[Youtube = http:? //Www.youtube.com/watch v = 3iKN2klFN1E & hl = sv & fs = 1 &]
Miyagawa är förmodligen den viktigaste filmografen i japansk historia och har arbetat med en vem som är vem av japanska auteurs, inklusive Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu och Kenji Mizoguchi. Han är kanske mest känd för sitt arbete på Rashomon, där han var den första personen som pekar på en kamera direkt i solljus (med hjälp av år av studier om ljusexponering). Han var också känd för att använda flera kamerauppsättningar för scener, och hyllade för sin kontrast av svepande spårbilder och skarpa närbilder. Andra innovationer på filmen inkluderar att använda speglar för att återspegla naturligt ljus och använda färgat svart vatten som regn, för att få det att verka mer levande på kameran. Han var också en mästare av genrer, som arbetar med komiker (The Rickshaw Man), samurai-filmer (Zatoichi-filmerna), som brunnar som övervakar 164 kameramän och använder över 234 olika linser för Tokyo Olympiad, ofta jämfört med Leni Riefenstahls Olympia som en av de största olympiska dokumentärerna.
Några av Miyagawas fantastiska arbete på Rashomon kan ses i klippet.
Noterbara filmer: Rashomon (1950), Ugetsu (1953), Sansho Bailiffen (1954), Flytande Weeds (1959), Yojimbo (1961), Zatoichi (1964), Tokyo Olympiad (1965)
9 Sergei Urusevsky 1908-1974[Youtube = http:? //Www.youtube.com/watch v = GFrHPcKiXaQ & hl = sv & fs = 1 &]
Trots att det inte är så nära som sålunda som andra på denna lista har Urusevsky fått en nästan mytisk status bland cinematographers på grund av hans arbete med den ryska regissören Mikhail Kalatozov på sådana filmer som jag är Kuba och The Cranes Flying. Hans nästan otroliga kombination av djup fokus, akrobatiska spårbilder, subjektivt perspektiv och andra anmärkningsvärda cinematografiska trickery var så före sin tid att det inte skulle ses i väst för över ett decennium senare. Tyvärr blev hans Kaltozov-samarbeten i stor utsträckning begravd av den sovjetiska propagandamaskinen, och har bara nyligen återställts tack vare erkända beundrare som Martin Scorsese och Francis Ford Coppola. Hans spektakulära kameraarbete, som ofta distraherades från scenens riktiga fokus, försvarades av Urusevsky och påpekade att "Det har aldrig intresserat mig som kameraman att bara registrera vad som händer framför kameran." "
Ovanstående, mycket berömda klipp är kanske den mest kända scenen i Urusevskijs repertoar, en ballettspårningsskott från öppningen av jag är Kuba visar på sitt blåsande och ursprungliga kameraarbete.
Noterbara filmer: Fyrtio-första (1956), Kranarna flyger (1957), Den obrutna bokstaven (1959), jag är Kuba (1964)
Vittorio Storaro Född 1940
[Youtube = http:? //Www.youtube.com/watch v = gK3Vej7V7yM & hl = sv & fs = 1 &]
Vittorio Storaro (född 24 juni 1940 i Rom) är en tre-timmars Oscar-vinnande italiensk filmograf. Han är mest känd för sitt arbete på Apocalypse Now (hans första Oscar), där han fick fri regeringstid av Francis Ford Coppola för att fotografera filmens hyllade visuella utseende. Han fortsatte med att vinna Oscars för Reds och The Last Emperor, som styrdes av Bernardo Bertolucci, hans vanligaste samarbetspartner. Storaro anses allmänt som en masterfilmograf med en sofistikerad filosofi som i stor utsträckning inspireras av Johann Wolfgang von Goethes teori om färger, som delvis inriktas på de psykologiska effekter som olika färger har och hur färger påverkar våra uppfattningar om olika situationer. Med sin son Fabrizio Storaro skapade han Univisium format systemet för att förena alla framtida teater- och tv-filmer i ett respektive bildförhållande på 2,00: 1.
Klippet är en scen från The Sheltering Sky, som framträder utan tvekan den vackraste ökenfilmen någonsin på film. För en mycket bättre kvalitetsvy (och längre version) av den här scenen, gå här. Du kommer absolut inte att bli besviken.
Noterbara filmer: The Conformist (1970), Last Tango i Paris (1972), Apocalypse Now (1979), Reds (1981), The Last Emperor (1987), The Sheltering Sky (1990)
7 Sven Nykvist 1922-2006[Youtube = http:? //Www.youtube.com/watch v = c1Xrg9uw_8g & hl = sv & fs = 1 &]
Som Ingmar Bergmans valfilmograf fick Nykvist den obegripliga uppgiften att omvandla den svenska författarens häpnadsväckande, ofta surrealistiska bilder till verklighet framför kameran. Trots detta noterades Nykvist för sin subtilitet och enkelhet, som favoriserar naturalistisk belysning för att komplettera Bergmans långsamma, temporära berättelseställning. Han var opretentiös och dold bakom hans högljungande regissör, men Nykvist var fortfarande erkänd för sitt arbete med två Academy Awards for Cries and Whispers och Fanny och Alexander. Nykvist arbetade också med regissörer som Roman Polanski, Woody Allen och Andrei Tarkovsky. Han var den första europeiska filmografen som gick med i det amerikanska samhället av filmfotografer och fick ett livstidsprestation från ASC 1996.
Ovan är en vacker scen från Persona. Lägg märke till den märkliga fading av ljus.
Noterbara filmer: Virgin Spring (1960), Persona (1966), Cries and Whispers (1973), Fanny och Alexander (1982), The Sacrifice (1986), The Unbearable Lightness of Being
6Gregg Toland 1904-1948
[Youtube = http:? //Www.youtube.com/watch v = 4Tt840nlog0 & hl = sv & fs = 1 &]
Gregg Toland var inte med oss länge, men det är en kredit till hans glans att han är så vördad idag. Toland nominerades fem gånger för Best Cinematography Oscar under en sjuårig gyllene period som varade från 1936 till 1942, men det är hans samarbete med Orson Welles på Citizen Kane som mest minns. Trots att han inte skapade djup fokusfilm, perfekterade han den i Citizen Kane, så att tecken i förgrunden och bakgrunden kan skötas i fokus samtidigt. Faktum är att mycket av filmens visuella och cinematografiska geni - låga vinklar, hög kontrast, mörka skuggor - men ofta krediteras Welles, var i stor utsträckning Toland. Welles erkände senare att Toland rådde honom om kamerans placering och belysningseffekter i hemlighet så att den unga regissören inte skulle bli generad framför den erfarna besättningen. Så skuldsatta var han för Tolands arbete, att Welles insisterade på att deras namn framträder tillsammans på slutkrediterna. Senare arbetade Toland på Disneys södra söder, som kombinerade levande action med animering.
Ovanstående är ett exempel på djup fokusering i Citizen Kane.
Noterbara filmer: Wuthering Heights (1939), The Wrath Grapes (1940), The Long Voyage Home (1940), Citizen Kane (1941), Hur Green var min dal (1941), Söderns Song (1946)
[Youtube = http:? //Www.youtube.com/watch v = AbchmWS5jIU & hl = sv & fs = 1 &]
Nicknamed "The Prince of Darkness" för sin förkärlek för att använda rika svarta och mörka interiörer, mest kända i The Godfather-filmer, som han är mest känd för, är Gordon Willis känd för sin innovativa filmografi som har gett honom två Oscar-nomineringar och höga respekt . Hans arbete på The Godfather-filmerna är legendariskt och hans innovationer inkluderar banbrytande användningen av varma, fuzzy, gula glödor för att representera nostalgiska scener från det förflutna i The Godfather Part II och den unika rekreationen av 1920-talets fotografi för Woody Allens Zelig.
Ovan är ett klipp som visar Gordon Willis (och andra) som diskuterar The Godfathers filmografi.
Noterbara filmer: The Godfather (1972), The Godfather Part II (1974), Alla presidentens män (1976), Zelig (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), The Godfather Part III (1990)
4Christopher Doyle Född 1952
[Youtube = http:? //Www.youtube.com/watch v = dRyU2mK4Rls & hl = sv & fs = 1 &]
Though född i Australien gjorde Doyle sitt märke genom att fotografera asiatiska filmer, särskilt arbetet i Hong Kong-regissören Wong Kar-Wai. Hans arbete med regissören, i synnerhet filmerna Chungking Express, In the Mood for Love och 2046, belönas för sina livfulla stänk av färger och hög mättnad, och han anses vara en av de viktigaste arkitekterna av den asiatiska New Wave-biografen. Han är också en av de få "superstar" -filmerna, vars rykte ofta är högre än de regissörer han jobbar med.
Ovan är ett klipp från filmen Hero, där Doyles uppmärksamhet på levande färger var avgörande för historien.
Noterbara filmer: Chungking Express (1994), The Mood for Love (2000), The Quiet American (2002), Hero (2002), Infernal Affairs (2002), 2046 (2002), Paranoid Park
3 Conrad L. Hall 1926-2003[Youtube = http:? //Www.youtube.com/watch v = DWTNBRs7Ccs & hl = sv & fs = 1 &]
Med hjälp av filmer som Cool Hand Luke och Butch Cassidy och Sundance Kid, hjälpte Hall till att frigöra tillvägagångssätt för att filma genom att, som Sight and Sound säger, "gör dygder av misstag". Smutsar som solen slår på linsen, smuts kommer på linsen eller andra till synes distraheringar som skulle ha krävt återhämtningar tidigare, men Halls tillvägagångssätt exemplifierade den nya vågen av amerikansk biograf och hjälpte till att skapa en mall för gritty, oberoende filmer. Men Hall visade också att han kunde hantera mer "orörda" bilder, fotografera filmer som American Beauty senare i sin karriär. Han vann sin första Oscar 1969 för Butch Cassidy och Sundance Kid, och då måste han vänta 30 år för sin nästa, för American Beauty. Hans tredje Oscar tilldelades honom posthumously för Road to Perdition. Förutom det blev han nominerad ytterligare sju gånger under sitt liv.
Ovan är en rolig scen från Butch Cassidy och Sundance Kid, för vilken Hall vann en Oscar.
Noterbara filmer: Cool Hand Luke (1967), Cold Blood (1967), Butch Cassidy och Sundance Kid (1969), The Locust Day (1975), American Beauty (1999), Road to Perdition (2002)
2James Wong Howe 1899-1976
[Youtube = http:? //Www.youtube.com/watch v = E1TOWhU7dik & hl = sv & fs = 1 &]
James Wong Howe hade över 130 filmer till hans kredit, som sträcker sig från den tysta eran till färgen. Under 1930- och 1940-talet ansågs han vara en av de mest eftertraktade biograferna i Hollywood. Han nominerades till tio akademiska utmärkelser för filmografi och vann två gånger. Förutom att vara en av de första filmfotograferna för att använda djup fokusfotografering, pekar Howe på tekniker för att öka ögonen på B & W-film, tidiga dollytekniker, handhållna kameratekniker och fotografering av ovanliga ljuskällor, såsom genom stearinljus på The Molly Maguires.
Klippet är lite skarp, vacker svartvitt fotografi från Hud, för vilken Howe vann en Oscar.
Noterbara filmer: Den tunna mannen (1934), Algiers (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), Rose Tattoo (1955), Söt Lukt av Framgång (1957), Den Gamla Manen och Havet (1958), Hud (1963), Roligt Lady (1975)
1 Charles Rosher 1885-1974[Youtube = http:? //Www.youtube.com/watch v = CvUvr715rjg & hl = sv & fs = 1 &]
Charles Rosher var en två-timmars Oscar-vinnande filmfotograf som arbetade från de tidiga dagarna av tysta filmer genom 1950-talet. Född i London var han den första filmografen som fick en Oscar, tillsammans med Karl Struss 1929 medarbetare. Rosher studerade fotografering i sin ungdom men uppmärksammades tidigt som en cameraman för nyheter, innan han flyttades till USA 1909. Han hittade sedan arbete för David Horsley som arbetar i sitt produktionsbolag i New Jersey. Eftersom tidig film var i stor utsträckning begränsad till dagsljus, flyttade Horsley sitt produktionsbolag till Hollywood år 1911, tog Rosher med honom och öppnade den första filmstudio där. Detta gjorde Rosher till den första heltidskameran i Hollywood. År 1913 åkte han till Mexiko för att filma tidningarna på Pancho Villas uppror. År 1918 var han en av grundarna till American Society of Cinematographers och tjänstgjorde som gruppens första vicepresident. På 1920-talet var han en av de mest eftertraktade biograferna i Hollywood, och en personlig favorit bland stjärnor som Mary Pickford. Hans arbete med Karl Struss på F.W. Murnaus 1927 film Sunrise ses som en milstolpe i filmografi. Dessutom fick Rosher två Eastman-medaljer (namngiven George Eastman), Photoplay Magazines guldmedalj, och det enda gemenskap som någonsin tilldelats av Society of Motion Picture Engineers.
Ovanstående är ett exempel på Roshers revolutionära arbete på Sunrise.
Noterbara filmer: Sunrise (1927), Cellini (1934), Little Lord Fauntleroy (1936), The Yearling (1946), Annie Get Your Gun (1950), Show Boat (1951)
Listverse är en plats för utforskare. Tillsammans söker vi de mest fascinerande och sällsynta ädelstenar av mänsklig kunskap. Tre eller flera faktabackade listor dagligen.